小提琴家黄蒙拉自认为是一个传统又保守的人，然而保守如他，这两年也做了一件让业界侧目的创新事。
2017年，黄蒙拉在国内首创用“弦乐四重奏”替代传统“交响乐团”来合作小提琴协奏曲，将巴赫《A小调第一小提琴协奏曲》《E大调第二小提琴协奏曲》、帕格尼尼《D大调第一小提琴协奏曲》演绎出别样的风采。
小提琴不再是游离于交响乐团之外的独奏乐器，更像是舞台上这组特殊“弦乐五重奏”的成员之一，独奏家也不再仅仅与指挥家配合，而是要倾听其余四位音乐家的声音，与每个声部做出呼应与对话。
在作曲家温德青的推荐下，黄蒙拉找来作曲家张士超合作编曲。那时候，他只觉得这个名字耳熟，还不知道他就是彩虹合唱团那首“网红”歌曲——《张士超你到底把我家钥匙放在哪里》的网红男主角。
第一次做如此大胆的改编，黄蒙拉坦言自己犹豫过，纠结过，整个过程战战兢兢。好在，最终观众的反应让他松了一口气。
“这个尝试在音乐的精神方面没有损失太多，只是形式上稍加改变，出现的效果更精致、更灵动了。这样的改变是我能接受的。”
2018年6月17日在上海交响乐团音乐厅，黄蒙拉将以“协奏的名义”为名，再度上演这套改编之后的小提琴协奏曲。
为何要做这样一次创新，以及其他关于小提琴和古典乐的话题，我们听听黄蒙拉怎么说。
1
小提琴协奏曲主要是和大型乐团合作，优点是非常庞大，缺点是灵活度不够。
练小提琴协奏曲时，我们经常会用钢琴代替乐团，也有一些小提琴协奏曲被改编成钢琴版本，但声响上非常单薄，可听性差。
所以这两种形式中缺少一块东西，一直没有人去做。我的一个经纪人比较关注这一块，他发了一些资料给我，觉得可以用弦乐四重奏替代交响乐团来合作小提琴协奏曲。
我一开始觉得不伦不类。我是非常传统的人，我认为以前没人做过，说明不好。
一个完整的体系自有一种自成模式的完美状态，封闭性非常强，比如孔子的系统和基督教，你硬要去跨，很难弄。我相信古典音乐也是这样。
如果我们去跨界创作，我们要改变音符、改变节奏，改变发音的方式。这在我看来太大胆了。这也是为什么刚开始提出改编，我有点犹豫。在我看来，莫扎特没有一个多余的音符，是不能改的。
学古典音乐，你学到后面肯定越来越保守。
就好像唐诗，它有规则，它用的每一个字你都能找到出处，并不仅仅是为了好听。它的存在是为了背后的含义、背后的内容，能带给精神、心灵一些东西，这才是艺术的价值。
所以这次改编我是战战兢兢的。经过上一次巡演，我有信心了。我发现这个尝试在音乐的精神方面没有损失太多，只是形式上稍加改变，反而出现了新效果，更精致、更灵动了。这样的改变是我能接受的。当然，交响这一块稍微有点损失，管乐和打击乐声部会有缺失。
上次演完后，我接触到一些音乐老师和学生，他们觉得这种形式给了他们启发，还有老师来问我要谱子。
音乐学校考试都是考协奏曲，但学生通常只能和钢琴练习，根本没有和乐团合作的机会。我小时候也是这样，练协奏曲最多和钢琴合作，出去比赛，老师说给你一个和乐团接触的机会，开心的呀。现在有这种模式，你至少会有音响上的一个概念——四重奏和只有一个钢琴的声音完全不一样，交响化的可能性出现了。
我还是比较年轻的，我不想与世界脱节，世界还在往前走，你得顺着潮流往前走。这个世界还是比较欢迎新事物，我性格保守，我希望这种往前走的精神能更小心一些，而不是完全放弃或完全反对这样的做法。
如果完全反对，古典音乐也不会有这么多学派。我们在迈出这一步的时候，自己要进行价值判断，进行内心拷问，它是为迎合而迎合，还是说它是一种创新？
我是不打破古典音乐内在体系的创新。
我这次改的是巴洛克、古典时期的曲子，这个时期对于管乐和打击乐的运用没那么强。我想慢慢介入到早期浪漫主义，慢慢融入四重奏的改编，如果不合适我们还可以暂停，不能把脚步走得太大，一下子走到晚期浪漫主义。
以后会不会尝试室内乐演出？
我在伦敦的时候一直演室内乐，我本人也非常喜欢室内乐，甚至觉得比拉独奏好玩。回来后，我发现国内的室内乐市场还没发展起来，票房没有交响乐、独奏音乐会好。国外都是几个家庭的孩子一起玩三重奏、四重奏，大家很轻松，曲目也熟悉。
其实，国内在室内乐的教学方面已经走在前面了。上海音乐学院挺重视的，花了很多精力和投入。教育这方面做到了，但市场还有待培育。
室内乐是古典音乐的根基、灵魂。老宗师们都喜欢玩室内乐，那是人和人之间灵魂的交流，你来一句我来一句，互相配合，相互倾听。但是对听众来说，他们可能还没有领会到其中的乐趣。
2
我是被父母要求学小提琴的。外人不知道学小提琴有多难，我爸妈都是医生，他们觉得这么小一个东西，有什么难的？
我小学的主课老师是乔老师，后来乔老师去美国了，我六年级就跟着乔老师的老师——俞丽拿老师学了。
你们会觉得俞老师很幽默，没什么距离感，当时我没这么觉得。我那时候每星期压力都很大，刚上完课就赶紧回家练琴，因为只有六天就得上课了，她对我还是蛮严厉的。没有俞老师，我可能还开不了窍。
每一个人的学习道路是不一样的。小提琴和音乐是两块东西，一个是艺术，一个是操作技能。 学操作技能真的很无趣。你说我好喜欢拉小提琴，绝对是假的。这是一个很难玩的游戏，我们要练大量基本功，做大量训练，可能练很久都不好听，没效果。
举个例子，我前不久去北京上大师班，一个小男孩拉完，我问他学了几年，他说八年，我后来就不好意思说了，听起来就是学习两年的效果。可想而知，小提琴有多难，进步有多慢，要是碰到不好的老师，就是浪费生命。
我开始是觉得不好玩，俞老师介入后，不管你觉得好不好，反正给你一套标准，你必须完成任务。虽然难玩，但我必须玩通关。
最开始我们学的都是技术，是为了能熟练操作，不要一刀剪下去，把一件衣服给剪坏了。中学以后，我慢慢练一些乐曲，学习音乐方面的思考，慢慢发现挺有意思，打开了艺术的大门，原来拉小提琴是为了演奏音乐。
老师也分很多层面。有些是有目标的，他还会告诉你路径，给你设几个节点，教你怎么一步一步走过去；有一些老师有目标，但没路径，不知道怎么带你走过去；还有一些老师目标都没有，这个就比较尴尬了。
达到小提琴演奏的目标只是起步和基础，意味着你学会使用这个工具了，但你要成为音乐大师，要在舞台上演奏，人家不要看你剪刀玩得多好，而是要看你设计出一件衣服来。自从中学掌握了演奏技术，直到现在，我一直在学如何表达音乐的内容。
现在做小提琴独奏家越来越难了。做独奏家要有几个特质，你要非常好地掌握演奏技能，要对音乐有自己的理解和看法，这种理解和看法还要能引起听众的共鸣。这三点非常重要。
然后就是有一些路径，比如参加比赛，或者老师推荐，再就是机遇，遇到一些贵人可以让你在舞台上展示给公众。很多有天赋的人也没机会上台。
我当时能出来，一来22岁时从帕格尼尼国际小提琴比赛拿到金奖，另外，环球唱片和经纪公司都有一定的支持。
我现在也在上海音乐学院教书。有些技术我们自己能轻易做到，会发现学生怎么都做不到？我们就得把这些轻易做到的东西去整理出一个条理，比如，找到手指肌肉运动的原因、方法，再分析给学生，经过这么一个梳理后，我对音乐也会有更理性的理解，教学相长是存在的。
会不会鼓励学生参加比赛？
比赛时的演奏和音乐会上的演奏是两种状态。音乐会更纯粹，我会把所有观众假想成朋友，是为朋友、为艺术演奏。比赛时你很难做到这一点，总会有压力，是为了成功。有很多有才能的人没有机会去展示给听众，比赛是一个机会。所以，我不敢否定比赛，但我也不敢过度鼓励去比赛。
在大学时，我喜欢到处参加音乐节，认识老师，认识朋友，找机会开音乐会。九十年代在上海，大家没什么机会开音乐会。那时候我没想过要给自己争取机会，只是觉得出去总比在家呆着好。后来，我发现我这个状态很适合做艺术。古典音乐不是闭门造车的艺术，这是西方艺术，我们需要走出国门，需要去见识世界。所以误打误撞，所有的经历都是有用的。
现在的学生眼界开阔多了，但坏也坏在这，深度不够，不珍惜。我们上学时有一个外国专家来上课，简直爆满，大家求知欲都很强，专家每说一句话我们都会去分析，跟自己学的东西去综合。
现在，音乐学院每学期都有很多大师，学校每星期都可以安排学生上大师班，学生已经不珍惜，不当回事了。以前我们要买原版碟都非常难，买一张碟回来反反复复听，现在网上随便看，反而会选择迷茫。
3
我女儿六岁，三岁开始学小提琴，太太负责教，我负责大方向。我们俩都比较严，拉空弦都练了一个月。
一般三四岁就可以学小提琴了，这是需要童子功的艺术。不管学什么，好老师都很重要，你要么找好老师，要么不学。找老师最低的标准，是他要有一个目标，这个目标是正确的。不要觉得启蒙时期的老师不重要，而是非常重要。
学小提琴很苦，不但苦，还容易走歪。一旦老师没找好，你很容易养成各种坏习惯，比如弓子没走直，手的压力、弓弦的接触点、手型、持琴的高度都容易出问题，耳朵都可能听坏。太多问题了，对只有一种，不对是千奇百怪。
初学的话，你可以让名师推荐学生，名师的学生，目标不会错。另外，还可以找退休老师。一开始你不太可能找名师，一来很贵，二来很多名师也不愿意教启蒙的孩子。好老师是可以慢慢打听出来的。
观众怎么入古典音乐的门？
观众听古典音乐其实很像盲人摸象，如果大家完全摸到了大象，说明站在和我一样的高度了，我一定战战兢兢。我们会创造一个饱满的世界，观众能够摸到多少，感受到多少，因人而异，和他的悟性、教育程度、音乐背景有关。
我发现观众有好几个层面。有一种人是，这首曲子我听过了，我要听别的曲子；还有一种人是，这首曲子我没听过，我不听，有些人只听《梁祝》，有些人只听柴可夫斯基，别的都不听。这两种都有缺失。
一首作品你反复听，你会越听越深，慢慢这个作品的味道会浸到你的身体里，二十年后你经历了什么事，会有音乐在脑子里陪伴你。但你如果不多听，又会比较单一，就好像只吃甜食，你成了甜食专家，其实咸的食物也有好多，腌肉也很好吃呀。
尽可能多地听，尽可能深地听，两种方法都可以入门。但如果一开始就听各种不同的曲目，容易把古典音乐听成背景音乐，因为听过都不走心。
我建议，你喜欢一首作品，你就多听，效果会更好。就像吃甜食，你吃到完全掌握了，再换别的。我中学有一段时间非常喜欢听拉赫玛尼诺夫，后来听到肖邦，发现世界很宽，肖邦的世界也很深。当你对一个领域了解很深，你会触类旁通，了解另一个领域也更容易了。吃多了甜才更知道咸嘛。
我现在的状态比以前好。以前我在国外更放得开，在国内会有一些束缚，现在，我更愿意和世界有沟通和交流。以前我更关注打磨演奏，有一点闭门造车，想的都是怎么把琴拉好，现在经历了很多，音乐感悟更深了，知道不管做什么都会留下体验，尽可能去生活才能成长。
都说艺术来自痛苦，这个问题我大学就想过，现在稍微想明白了一点。
时代变了。五十年前，很多伟大艺术家经历过的是我们这一代人都没法经历的，二战、冷战、犹太人被杀，为什么音乐界有那么多犹太人成为大师？就因为那段历史，时代不可复制。
这是一个好时代。现在大家都太幸福了，所以现在的人拉琴甜味很多，苦味少了。我能听到丰满、圆滑、圆润，但不深刻。以前那些苦难中出来的音乐家，艺术造诣上有一种风骨，现在我们有很多包在外面的肉，但那时候的艺术都是骨头，更硬朗。
你也不能说现在不好，我也不向往那个年代。你可以通过了解世界和历史，通过别人的故事，去感同身受。不需要经历那种苦难，我们可以在音乐里经历死亡和恐惧。
我很喜欢小提琴家海菲兹。钢琴界、大提琴界、指挥界没有一个人像海菲兹这样，能凌驾于所有大师之上，他是唯一一个，没法超越。不是说他所有的作品一定是最标准的版本，而是他的演奏方式很个人，所有作品都用他个人的方式去演绎，莫扎特不是莫扎特，巴赫不是巴赫，但他拉出来的声音对人是有征服力、说服力的，你一听就会被打动。
个人风格没有办法刻意，个性没办法造假，人家一听就知道你是不是装腔作势、刻意为之。每件事每个人的表达方式都不同，你怎么理解怎么演绎这部作品，这就是你的风格和个性。
京公网安备 11011402011520号